Él era, antes que todo, agua

Naufus Ramírez-Figueroa crea imágenes oníricas que se basan en la literatura, el folclore, la magia y los recuerdos de la infancia. Su obra es lúdica pero también alude a acontecimientos trágicos o traumáticos relacionados con la Guatemala contemporánea, especialmente el impacto de la guerra civil (1960-1996). Las performances y esculturas de Ramírez-Figueroa hacen referencia al cuerpo humano y a rituales culturales específicos. Exploran las relaciones sociales, el colonialismo, la migración, la censura y la identidad, pero siempre a través de un filtro de imaginación, humor y un poderoso lenguaje visual.

Para la exposición en Mendes Wood DM Bruselas, el artista continúa revelando su pasado como refugiado político en México y Canadá durante la década de 1980. Durante ese tiempo, el artista reflexiona sobre una variedad de formas y narraciones, no todas ellas vinculadas a su contexto personal. La idea y la historia de llevar mercancías en la espalda ocupan un lugar central. El cacaxte es el método tradicional de transporte en las Américas – desde mucho antes de la invasión europea – y sigue siendo el medio de transporte más barato para la población indígena de América Latina. Los gobernantes europeos de la región explotaron el método en el siglo XIX mientras buscaban yacimientos arqueológicos entre otros, utilizando a la población local como portadora. El transporte de mercancías de esta manera es, al mismo tiempo, un tabú en la Guatemala contemporánea, debido a su asociación con la opresión colonial. El transporte de mercancías en la espalda se encuentra en diferentes culturas, incluyendo en Europa, con las mochilas de los soldados; en Estados Unidos, con los colonos en busca de tierras para reclamar; y en China cuando se transportaban grandes cantidades de té por tierra sobre las espaldas de la gente a través de la «Ruta del Caballo del Té». En tiempos más recientes, los refugiados han tenido que usar mochilas y bolsas grandes para llevar sus pertenencias personales.

Naufus Ramírez-Figueroa aborda el ‘porte’ y la ‘mochila’ en esta exposición como una carga física y como una carga que afecta la identidad propia. Sus esculturas asumen formas que hacen referencia a objetos portátiles, como jarrones, que combinan elementos de diferentes culturas. Realidad y ficción, historia y fantasía, figuración y abstracción se entrelazan en estas piezas autónomas.

La exposición en Bruselas presenta tres conjuntos de obras. Cacaxte #1 (M-Museo) fue hecho durante una residencia en Bélgica en el otoño de 2018. Se trata tanto de una obra escultórica autónoma como de una obra que el artista ha utilizado durante una performance. Un armazón metálico de una mochila evoca los cacaxtos empleados en Guatemala para transportar cerámica frágil. La estructura se parece casi a un estante con cintas para asegurar los objetos. En él se encuentran unas veinticinco pequeñas esculturas de poliestireno, un material que se utiliza principalmente para la utilería teatral. Con su superficie pintada y barnizada de azul, los objetos parecen estar hechos de una delicada loza o porcelana. Las esculturas individuales hacen referencia a una variedad de objetos de arte existentes en diferentes épocas y culturas: Esculturas mayas junto a artefactos medievales musulmanes españoles; figuras y máscaras de países como Nigeria, Egipto, Grecia, China y Guatemala – cada una de ellas encontradas por el artista en colecciones públicas y privadas y copiadas libremente por él. Juntos, ofrecen un estudio ecléctico de los objetos culturales de varios museos prominentes, entrelazando diferentes identidades y culturas. Muy pocas piezas valiosas se pueden ver en los museos públicos de Guatemala: las obras de arte más interesantes están en el extranjero o en manos privadas, lo que dificulta a los guatemaltecos el desarrollo de un sentido de identidad, de ser parte de una historia cultural.

Para la presentación del pasado mes de noviembre en el M-Museo de Lovaina, Ramírez-Figueroa recorrió las galerías con este armazón repleto de esculturas. Cuando llegó a la sala de la parte superior del museo, desató las cintas y extendió las figuras por todo el espacio. La performance fue documentada y editada y se puede ver en Mendes Wood DM Brussels en vídeo.

Hay otras seis esculturas que igualmente expliran la idea de «transporte». Basándose en las tradiciones culturales de diferentes países, en las que la gente se ata cargas pesadas a la espalda, el artista hace alusión principalmente a los portadores de agua mediante una serie de esculturas derivadas de formas de jarras y jarrones, incluyendo las cuerdas para atarlas en la espalda. Ha dotado a las esculturas de cintas azules para llevarlas. Las formas de los jarrones son antropomorfas y son más libres o experimentales, sugiriendo tanto cuerpos como formas redondas y naturales. Estas formas orgánicas muestran algunas similitudes formales con las esculturas colgantes Third Lung presentadas en la Bienal de Venecia de 2017. La superficie de colores brillantes que ha empleado extrae estos utensilios de su contexto natural y les aporta un aspecto artificial y contemporáneo. Un elemento llamativo en esta sala es una gran escultura en forma de pierna. Una abertura muestra un corte o una herida azul que indica la existencia de agua dentro del cuerpo. Esta obra alude a la tensión o armonía entre la naturaleza y el ser humano. El agua y el color azul han adquirido diferentes niveles de significación en la obra de Ramírez-Figueroa, reflejando tanto la historia de su país como sus propias experiencias físicas. Para el artista, los colores vivos también recuerdan las obras de arte medievales, que a menudo eran policromas, pero que han perdido su color con el tiempo.

Por último, Naufus Ramírez-Figueroa también presenta cinco grandes obras murales nuevas que ocupan un lugar intermedio entre la pintura y el relieve. Su exterior acanalado se asemeja a las formas de un jarrón con una superficie nervada, como si se tratara de proporcionar a las piezas una determinada piel o capa protectora. El artista comenzó a trabajar en esta serie de relieves recientemente. El dibujo en la superficie inicialmente consistía en patrones sencillos que remitían a motivos tradicionales latinoamericanos. Con el tiempo su enfoque se volvió más libre y experimental, centrado en el juego con la de la geometría y aplicando más patrones de su propio diseño, cada uno en un color único pero diferente. Los patrones son recurrentes en sus performances más antiguas, como en una especie de contraste con el cuerpo físico. En Impresión de Sueño (2016), por ejemplo, el marco de una cama está pintado en el cuerpo del artista con pintura negra, mientras que en Mímesis de la mímesis (2016), es el propio artista quien transporta una rejilla elástica en el cuerpo. Otro elemento que entra en juego en estas obras murales es la interacción entre la fisicalidad de la la expansión plana y el enfoque abstracto. Juntos en este espacio, las esculturas y los relieves forman un paisaje en de múltiples dimensiones.

Texto de Eva Wittocx. Traducción original de Lupita